Les photographies saisissantes de Michael Bailey-Gates, qui composent la première publication de l’artiste américain, Une Lueur Dans Le Feu D’Artifice, renoncer aux contraintes de genre et d’identité. Leurs sujets dépassent les définitions binaires. L’accent est mis sur l’individu, souvent encadré en gros plan en noir et blanc – un format qui fait des images classiques malgré ce que beaucoup considéreraient comme leur sujet contemporain. En effet, dans leur individualité, les sujets du livre, y compris Bailey-Gates, parlent d’un présent et d’un futur où les divisions de genre, d’identité et de sexualité se dissolvent, les rendant fluides et non figées. Comme l’écrit Horace D Ballard dans Ouverture: « Le sujet devient moins important pour qui et ce qu’ils sont et plus cher pour nous en raison du réseau d’intimités et d’expériences qu’ils représentent.”

Les images sont monumentales. Elles sont seules, libérées du contexte ou des séries, suspendues dans le temps et l’espace. Cependant, il existe des indices sur la construction des photographies. Une grande partie du travail a été réalisée dans le garage, le sous-sol et le studio de la maison de Bailey–Gates à Los Angeles, des décors qui se glissent dans les images – un plafond en tôle ondulée, une toile de fond de studio, la caméra elle-même, nous rappelant la réalité qui fondait des scènes autrement magiques. Dans l’une des rares photographies en couleur du livre, des bougies allumées recouvrent deux personnages allongés dans le sous-sol d’une lueur dorée et chaude. L’image rappelle le titre de la publication, qui lui–même fait allusion à l’espoir – « un éclat dans l’embrasement » prêt à enflammer un avenir au-delà du binaire.

Gillian Laub’s Questions Familiales est d’une honnêteté convaincante: une chronique non filtrée de la relation compliquée de la photographe avec sa famille. La publication commence par un souvenir. Laub se souvient d’un après-midi de 1999 où elle étudiait au Centre International de la photographie de Manhattan. Un camarade de classe a pointé un groupe au loin, balançant leurs manteaux de fourrure fantaisie. « Regardez ces femmes vulgaires », a-t-il dit. Laub a accepté. Puis ils se sont rapprochés et elle a réalisé: « C’était ma mère, ma grand-mère et ma tante Phyllis avec tout leur groupe de visite d’appréciation de l’art du mercredi.”

Laub se souvient d’avoir été horrifié. Mais elle se sentait aussi protectrice et réconfortée par leurs câlins et leurs baisers. Cette dynamique traverse le livre alors que Laub équilibre un dédain croissant pour l’ostentation de sa famille juive américaine tout en les aimant et en les valorisant intensément. Son malaise croissant est provoqué, en partie, par la résistance de Laub à la voie conventionnelle de la domesticité suivie par les femmes de sa famille et de sa communauté et, au lieu de cela, par la poursuite de la photographie, la documentation de l’injustice et de la souffrance de la Palestine au sud américain. Des réflexions à la première personne accompagnent les photographies de Laub, éclairant ses sentiments conflictuels à propos du privilège de sa famille, qu’elle gère jusqu’à ce qu’elle ne le fasse pas – le soutien inconditionnel de ses parents à Donald Trump, un attribut qu’elle ne peut négliger.

Le Ville de C se trouve le long de la chaîne avant des montagnes Rocheuses du sud du Colorado. Un terrain dramatique, encadrant un lieu apparemment petit et endormi. ”J’avais visité cette ville pendant des années avant de décider de commencer un projet là-bas », a déclaré Richard Rothman dans une interview avec Lenscratch. Le photographe a d’abord cru qu’il n’avait rien de nouveau à ajouter à la tradition des livres de photographie socialement critiques axés sur les États-Unis. Mais finalement, il en a décidé autrement et s’est lancé dans la création d’un roman photographique construit à partir de récits et de couches entrelacées.

Ville de C a le sentiment inéluctable d’être l’héritier de livres qui l’ont précédé, comme celui de Robert Frank américain. Cependant, il est nettement distinct. Un vide étrange imprègne les images en noir et blanc, qui alternent paysages monumentaux, portraits intimes et intérieurs kitsch. Des nus saisissants ponctuent la banalité troublante: les sujets en quelque sorte angéliques avec leur chair presque lumineuse. Bien Ville de C ancré dans la réalité, il semble plus fictif que documentaire, comme si Rothman nous invitait à projeter nos propres histoires, lectures et expériences sur les images, chacune d’elles émergeant comme une fenêtre sur un monde à la fois résolument lointain et troublant. familier.

Le style rêveur et doucement éclairé de Petra Collins a été l’une des esthétiques photographiques marquantes des années 2010.La photographe canadienne a adopté des couleurs pastel et une lumière dorée, un look stéréotypé « féminin », qu’elle a coopté pour mettre en lumière les réalités des jeunes femmes, leur vie et leurs luttes. Son travail découle, en partie, du désir de Collins d’imaginer un monde adolescent pour elle-même, un monde qu’elle ne possédait pas en réalité. ”Ce que je capturais, je suppose, c’était la moitié de mon angoisse, puis la moitié de cette nostalgie de quelque chose qui ne s’est jamais produit », a-t-elle déclaré Highsnobiété.

Au fil du temps, l’esthétique de Collins a évolué pour faire écho aux films d’horreur et aux films de science-fiction, tout en incorporant l’attirail « girly » toujours présent de ses œuvres antérieures. Et cela est évident dans son dernier livre photo, Contes de Fées, publié en novembre. Une collaboration avec l’actrice et chanteuse américaine Alexa Demi (qui joue Maddy Perez dans le drame Euphorie), la publication réécrit et réinvente neuf contes de fées que les deux femmes aimaient lorsqu’elles étaient enfants. Le couple a écrit les histoires d’accompagnement ensemble. Et ceux-ci voient Demi se métamorphoser entre elfes, sirènes, sprites aquatiques, anges déchus et autres personnages fictifs, photographiés par Collins sur fond de maisons de banlieue, de parkings et de décors d’un autre monde.

Miroirs Sombres comprend 16 essais du photographe et critique Stanley Wolukau-Wanambwa, qu’il a principalement écrits aux États-Unis au cours des six dernières années. Sauf un, ils s’engagent dans le travail réalisé dans le pays, principalement par des artistes qui y vivent dans un contexte “d’intensification de la ségrégation raciale et économique”, de “calamité écologique” et de dissolution constante de la démocratie. Dans le contexte de ce moment présent, Wolukau-Wanambwa demande: « Avons-nous regardé, ces nombreuses années, les surfaces combustibles de notre présent historique? Avons-nous fait attention?The La proposition simple de ce livre est que ces artistes ont certainement.”

En effet, la publication mine les profondeurs du présent et la photographie dans ses multiples manifestations. Il s’agit d’une réflexion urgente sur l’état critique de la vie contemporaine, qui aborde la relation entre le racisme et la visualité et la politique de l’attention, parmi de nombreux autres sujets. Dans Miroirs Sombres, Wolukau-Wanambwa positionne le livre photo comme un site fertile pour l’invention artistique là où les autres formats et modes d’affichage manquent. Et bien que la publication ne soit pas un livre de photos en soi, il s’agit d’un rare recueil d’écrits photographiques critiques. Pour citer David Campany : “ Ce sont des essais à vivre et à relire.”

La photographie a été introduite dans le monde en 1839 avec le dévoilement du Daguerréotype. Sa naissance a coïncidé avec les premiers jours de la lutte pour les droits des femmes. Cependant, l’histoire du médium est restée dominée par les hommes. La Photographie – Une Histoire Féministe propose une lecture différente. ”Il est temps pour de nouveaux récits », écrit Emma Lewis dans l’introduction du livre. En effet, la publication explore comment “les droits des femmes et les attitudes sociétales » ont influencé quelles femmes sont devenues des « photographes », quel travail elles ont fait, et
comment l’histoire a articulé leurs histoires. La publication n’est pas une “documentation du féminisme illustrée par la photographie”. Au lieu de cela, il adopte une lecture « féministe » de l’histoire de la photographie, réfléchissant sur les deux derniers siècles du médium à travers les diverses femmes qui l’ont façonné.

”Le travail le plus immédiat d’une « histoire féministe » est peut-être de récupérer un peu d’espace dans le récit dominé par les hommes », poursuit Lewis. Le livre n’est pas chronologique; il aborde plusieurs thèmes – de la photographie en studio à l’activisme – en approfondissant le travail de praticiennes individuelles sans “faire de généralisations réductrices”. Lewis est clair que la publication n’est pas une réécriture féministe définitive de l’histoire photographique, et que chaque photographe ne présente pas non plus une féministe autoproclamée. Au lieu de cela, il s’efforce d’ouvrir la compréhension des lecteurs de l’histoire de la photographie et de la part cruciale des femmes en son sein.

“ J’ai photographié ce portrait des sœurs Man (Maya, Vic, Josie et Alexandra), dont je trouve l’ambition de jeunesse inspirante et vivifiante, dans le jardin de la maison de leur famille au sud-est de Londres ”, écrit la photographe Wendy Huynh. « Les sœurs sont à moitié chinoises et à moitié anglaises et représentent pour moi ce qu’est l’Angleterre aujourd’hui: un mélange de culture, de race et de communauté. » L’image est l’une des nombreuses qui forment collectivement Angleterre votre Angleterre, un zine publié par Riposte pour accompagner une exposition du même nom au Coal Drops Yard, à Londres, qui s’est terminée le 14 novembre.

Suite à l’assouplissement du verrouillage et à l’Euro football championship à l’été 2021, Riposte a conçu le projet d’examiner la discorde entre la perception de soi d’une nation et qui elle est en vérité. La publication a invité neuf photographes, dont Huynh, à apporter une réflexion imagée et écrite répondant à l’Angleterre contemporaine. Il emprunte son titre à l’essai de 1941 de George Orwell dans lequel il tentait de définir la culture anglaise pendant la Seconde Guerre mondiale. Angleterre votre Angleterre, cependant, montre qu’il n’y a pas de définition claire du pays aujourd’hui; de l’image de Rhiannon Adam d’un homme serrant un spliff, son bras inférieur inscrit avec un tatouage de Winston Churchill, à la photographie de Kerry J Dean d’une femme engloutie par des sacs Tesco gonflants.

En 2018, Résumé Architectural Dayanita Singh a été invitée à photographier le célèbre architecte indien Balkrishna Vithaldas Doshi. De façon inattendue, Singh, qui a abandonné le travail commandé il y a des décennies, a accepté. Elle admirait l’architecture de Doshi depuis des années, mais le couple ne s’était jamais rencontré. Leur première rencontre fut magique. « Il est entré dans la pièce, m’a regardé et m’a demandé: « Alors, Dayanita, dis-moi, comment vas-tu faire parler une photo fixe? »  » Singh a dit Résumé Architectural. « C’était une phrase d’ouverture incroyable, et je lui ai demandé si je pouvais garder mon enregistreur téléphonique allumé parce que je savais que cela allait être une conversation incroyable.”

Leur interaction initiale a été suivie par de nombreuses autres, Singh photographiant Doshi et sa famille dans plusieurs de leurs maisons et enregistrant leurs conservations. Ceux-ci forment la dernière publication de Singh, Portrait d’une maison, dans lequel ses images méditatives en noir et blanc interagissent avec les dialogues qui les côtoient. Le texte est riche et varié. La lumière apparaît comme un point de discussion perpétuel – un élément central de l’architecture et de la photographie. Le format inhabituel du livre est convaincant, avec Portrait d’une maison assis quelque part entre un journal intime, un album de famille et un manuel. Mais, plus que tout, la publication est un aperçu rare de l’esprit de Singh et de Doshi – les idées et les réflexions nées de leurs interactions.

La maison de Mohamed Bourouissa Périphérique rompt les conventions de la peinture d’histoire avec des compositions dramatiques mettant en scène les amis de Bourouissa
et des connaissances dans les banlieues parisiennes. L’artiste a conçu la série pour faire entrer ces individus “ dans l’histoire ”, comme l’articule Taous R Dahmani dans l’un des deux textes commandés qui ponctuent le livre (l’autre est de Clément Chéroux). Bourouissa travaillait déjà sur le projet en novembre 2005 lorsque Zyed Benna et Bouna Traoré ont été électrocutés dans un poste électrique alors qu’ils tentaient d’échapper à la police. Les trois semaines d’émeutes qui suivent, alors la plus grande révolte en France depuis mai 1968, ne font que renforcer la conviction de Bourouissa.

Périphérique il s’agit de la série révolutionnaire de Bourouissa, présentée dans son installation Free Trade, qui a remporté le prix Deutsche Börse 2020. Mais, malgré cela, le projet, sur lequel il a travaillé entre 2005 et 2008, n’avait jamais été publié sous forme de livre. Cette première publication de la série complète présente des photographies préparatoires inédites aux côtés du corps principal de l’œuvre, qui est délimité par un grand portail. Malgré plusieurs années depuis la conception du projet, Périphérique est loin d’être dépassé. Au lieu de cela, la publication offre une occasion nouvelle et distincte de réfléchir à un corpus d’œuvres, qui “est probablement inachevé”, comme le fait remarquer Dahmani de manière prémonitoire, “parce que the la série continuera à nous raconter des histoires alternatives”.

Noni Stacey’s Photographie de Protestation et de Communauté s’engage avec des collectifs de photographie basés à Londres dans les années 1970: the Half Moon Photography Workshop, Exit Photography Group, Hackney Flashers Collective, North Paddington Community Darkroom et Blackfriars Photography Project. En explorant ces regroupements, le livre soulève des questions urgentes sur la politique de la photographie et son rôle dans l’activisme social – d’alors et d’aujourd’hui. La publication n’a pas de récit dominant. Au lieu de cela, c’est une cacophonie de voix et de perspectives différentes. ” Je voulais que les voix des photographes soient visibles partout « , explique Stacey. Et ils le sont, aux côtés de documents primaires de sources variées : documents d’archives, revues d’expositions dans la presse et articles.

Les regroupements présentés ont joué un rôle déterminant dans l’engagement de la photographie à travers un objectif critique, réinventant le médium lui-même et ses modes d’affichage et de distribution. ”Des gens me contactent beaucoup plus jeunes et me disent que la publication est utile pour comprendre les stratégies utilisées par ces groupements », poursuit Stacey, observant que de nombreux problèmes auxquels les collectifs sont confrontés demeurent. Malgré la publication qui remonte aux années 1970, il s’agit à la fois d’une histoire éclairante de cette période et d’un ouvrage de référence critique pour le présent. En effet, bien que l’avènement des médias sociaux ait remodelé le paysage visuel, les stratégies employées par les collectifs résonnent encore aujourd’hui sur le plan théorique et pratique.