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Après un week-end animé de conférences d’artistes, d’expositions en galerie et de programmes, Anna Sansom réfléchit à quelques-uns des moments marquants
Les 24th édition de Paris Photo (11 – 14 novembre) au Grand Palais Ephémère ce week-end a montré comment les photographes contemporains revisitent de plus en plus d’anciens procédés analogiques et les intègrent à leur travail. Il révèle également à quel point une plus grande visibilité est donnée aux femmes photographes qui cherchent à repousser les limites du médium. La foire s’est tenue dans une structure temporaire sur le Champs-de-Mars, près de la Tour Eiffel, lors de la rénovation de son domicile habituel du Grand Palais. Après l’annulation de la foire physique l’année dernière en raison de la pandémie de Covid-19, l’atmosphère électrique autour de l’événement s’est fait sentir tout au long.
Noémie Goudal à Galerie Les filles du Calvaire (Paris)
Noémie Goudal est l’une des nombreuses jeunes artistes françaises explorant de nouvelles techniques de création d’images. Née en 1984, elle a étudié au Royal College of Arts et à Central Saint Martins et a exposé entre autres à la Photographers Gallery de Londres et au Musée finlandais de la photographie. Deux nouvelles œuvres à grande échelle dévoilées à Paris Photo, Phénix Atlantica IV et VI, au prix de 24 000 €, de palmiers déconstruits. Après avoir photographié les arbres en Espagne la nuit à la lumière artificielle, Goudal a imprimé les images et les a découpées en bandes. Elle a ensuite replacé les bandes dans le paysage et a rephotographié la scène pour en faire l’image finale. Laissant des indices sur son procédé, Goudal a laissé les clips utilisés pour fixer les bandes visibles sur les bords de la photographie. L’effet global est similaire à celui de regarder un arbre à travers un store tout en offrant une fragmentation complexe.
Mame-Diarra Niang à Stevenson (Le Cap et Johannesburg)
Mama-Diarra Niang est une artiste autodidacte basée à Paris qui a grandi entre la France, le Sénégal et la Côte d’Ivoire. Son travail a été présenté à la Biennale de Dakar et à la Collection Walther de New York. On y voit des portraits décalés, au prix de 6 000 à 7 800 €, à l’interface de la figuration et de l’abstraction. L’un d’eux a été acquis par le CNAP, qui gère la collection nationale d’art contemporain de France. Pendant le confinement pandémique, Niang, 39 ans, a commencé à ”voyager en ligne » et a pris des photos de son écran. » Mes photographies se sont peuplées parce que j’avais envie de revenir au portrait et aux rencontres ”, dit-elle. « C’était à l’époque de [l’assassinat de] George Floyd où il y avait un sentiment que le corps noir ne se sentait pas présent, visible ou valide dans l’espace public.”L’effacement du visage et de l’identité de chaque individu évoque ce sentiment de non-visibilité que Niang appelle “l’abstraction douce du corps noir ”. Le flou fait également référence au manque de connaissances entourant l’ascendance de son père et à l’oubli de la mémoire.
Gilles Lorin à Jörg Maass Kunsthandel (Berlin)
Ancien marchand d’art et d’antiquités asiatiques, Gilles Lorin est un photographe français qui revisite des procédés photographiques plus anciens, tels que les tirages au cyanotype et au platine palladium, de manière inédite. Ce qui distingue le travail de Lorin, c’est la façon dont il utilise des feuilles d’or et des alliages pour chaque élément distinct pour créer une palette de couleurs unique et atteindre une certaine esthétique. Chaque pièce méticuleuse prend environ un mois à fabriquer.
Trois œuvres de sa série Lles Allégories d’Igor – des images allégoriques relatives à son alter ego – étaient exposées cette année sur le stand berlinois du Jörg Maass Kunsthandel. Dans ‘ L’Importance de Vivre « , un souvenir mori (rendu à la feuille d’or et à l’argent) trône sur le livre qui était sur la table de chevet de sa mère lorsqu’elle est décédée. À côté se trouve la montre qu’elle lui a donnée six mois plus tôt. “C’est une évolution de la vanité dans l’histoire de l’art, mais c’est plus personnel”, dit-il. « Je me suis demandé comment je pouvais le fabriquer en couleur sans recourir aux techniques numériques et j’ai décidé d’utiliser de la feuille d’or avec des alliages.”
Baptiste Rabichon et Fabrice Laroche à Galerie Binôme (Paris)
Le duo français Baptiste Rabichon et Fabrice Laroche revisitent également les premiers procédés photographiques dans leur travail pour bouleverser le canon de la photographie. Pour leur série Les intermittences du cœur (2019), ils ont réalisé des tirages chromogènes à partir d’autochromes originaux. Breveté par les frères Lumière en France en 1903, le procédé autochrome permet de créer une image sur une plaque de verre recouverte de grains microscopiques d’amidon de pomme de terre teints en rouge-orange, bleu–violet et vert. La plaque serait développée en utilisant la chimie d’inversion, convertissant l’image du négatif au positif. Faire Boulogne le jardin japonais 1911, Rabichon et Laroche ont projeté sur un mur un autochrome du début du XXe siècle d’un jardin japonais à Boulogne-Billancourt près de Paris. Ensuite, ils ont rephotographié une partie de la projection.
En plus de faire référence au premier procédé de couleur disponible dans le commerce dans l’histoire de la photographie, l’image nous rappelle les mouvements artistiques de l’impressionnisme et du pointillisme. Le duo a laissé les indicateurs de l’autochrome autour de la frontière, aboutissant à un travail intrigant et saisissant.
épreuve chromogène par contact d’après autochrome (circa 1910-17) des jardins d’Albert Kahn à Boulogne-Billancourt, collection de Jeanne
édition de 3
Ira Lombardía à Galeria Alarcón Criado (Séville) dans la section Curiosa
Ira Lombardía est une artiste interdisciplinaire espagnole basée à New York dont le travail a été présenté dans le secteur Curiosa. Organisée par Shoair Mavlian, directeur de Photoworks, c’est la section de la foire qui est dédiée à la mise en lumière des artistes émergents de 20 galeries. Elle a actuellement une exposition solo, intitulée Vide, au SCAD Museum of Art de Savannah, qui réfléchit sur la production, la distribution et la consommation d’images. Des images en noir et blanc de l’art classique et historique et de l’archéologie se superposent à d’autres photographies. La chair et les mains aux tons bleus sur les bords de chaque œuvre indiquent une interaction et une manipulation humaines relatives au statut d’une photographie.
Mais il y a autre chose en jeu aussi. Lombardía a créé une application, téléchargeable en scannant un code QR, qui permet au spectateur de remplacer les formes bleues par des images sur son téléphone. Tout le monde peut donc personnaliser l’œuvre à travers ce pont entre le classique et le numérique.
