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Les photographes discutent de la relation étroite entre une pratique énergique et libre avec l’agence politique et l’appartenance
Nous commençons tout juste à nous attaquer à l’histoire lourde de la caméra en tant qu’arme oppressante et à la manière dont un héritage de fausses déclarations a eu un impact sur les droits de l’homme, la politique, la formation de l’identité et la construction visuelle de la race, du genre, de la sexualité, etc. La « justice de représentation », terme inventé par Sarah Elizabeth Lewis, professeure à Harvard, décrit le rôle vital de la photographie dans l’élargissement de la notion de qui compte dans la société. Il parle de la façon dont l’appareil photo peut être un allié – appelant les communautés à être et embrassant le potentiel de transformation de la photographie pour créer une nouvelle vision de l’humanité.
La relation inextricable entre art et appartenance est affirmée par une nouvelle génération de faiseurs d’images qui utilisent la joie comme outil de résistance. Leur approche est imprégnée d’agence politique – certaines plus ouvertement que d’autres – tout en se concentrant sur l’énergie catalytique de la joie et de la liberté. Pour eux, la narration est utilisée pour imaginer de nouveaux mondes. Ils comprennent le corps comme un site sur lequel inscrire du sens, activant un nouvel ensemble de valeurs qui honore leur vision unique avec grâce, plaisir et un sentiment contagieux de se sentir vivant. Ces rencontres visuelles expansives permettent d’émerger de nouveaux modes de voir et de ressentir.
Nadine Ijewere
” L’espoir radical est notre meilleure arme », déclare l’écrivain Junot Díaz. En ces temps difficiles, il explique que “l’espoir radical n’est pas tant quelque chose que vous avez, mais quelque chose que vous pratiquez. » Ce sentiment se répercute à travers Nadine Ijeweredes photographies. Le photographe londonien a passé la dernière décennie à créer des images qui mettent en évidence des notions de beauté sous-représentées. Sa pratique exubérante est une médiation sur le pouvoir et l’appartenance, tout en laissant un espace aux femmes de couleur pour articuler ce que la beauté et la liberté signifient pour elles.
« Personne ne devrait jamais avoir l’impression d’être invalide parce qu’on ne les voit pas”, explique Ijewere. » À l’adolescence, quand je regardais les magazines de mode de ma mère, j’avais l’impression que je devais être quelque chose de différent parce que ce que j’étais n’était pas montré. Je n’ai jamais commencé à prendre des photos avec l’intention première de faire une déclaration politique. J’adorais prendre des photos. »Elle ajoute: « Au fur et à mesure du travail, l’importance est devenue plus évidente. J’ai réalisé que je voulais donner aux jeunes les références que je n’avais pas quand j’étais grand.”
Ce qui est radical dans l’approche de la mode d’Ijewere, c’est la façon dont elle évoque sans relâche le bonheur et la chaleur. Ses images sont intimes mais universelles, et contrairement à tant de photographies de mode, elles vous accueillent dans le fantasme à bras ouverts. Son nouveau livre en est un exemple. Nous-Mêmes, publié par Prestel, retrace l’évolution de son travail, avec des éditoriaux de mode, des entreprises commerciales et un travail personnel. À la base, il incarne la majesté resplendissante de la beauté noire. Chaque image est dynamique, vivante et pleine de grâce. En prenant soin de la lumière, de la couleur et de la composition, elle construit des mondes qui font référence aux influences personnelles de son héritage nigéro-jamaïcain tout en réinventant le concept de la beauté en tant que quelque chose de multiforme et d’individuel. Ses photographies ne se libèrent pas seulement des tropes fatigués de la mode, elles les rendent obsolètes.
Ijewere ne décrit pas son travail comme politique. Pour elle, il s’agit simplement de visualiser la beauté et le style qui l’ont toujours entourée. Malgré les distinctions sans fin des premières – notamment, elle a été la première femme de couleur pour tirer la couverture de tout Vogue en 125 ans d’histoire mondiale du magazine, Ijewere se concentre davantage sur un monde où la diversité n’est pas perturbatrice mais plutôt la norme. Pour être le dernier en premier.
Jean-Marie Le Pen
Les filles de Prarthna Singh Champion connaître les difficultés. Né jen Haryana et Uttar Pradesh, les États du centre-nord de l’Inde qui ont certains des taux les plus élevés d’infanticide féminin et de mariage d’enfants au monde, la sécurité et la liberté ne sont pas un droit d’aînesse. Le projet raconte l’histoire d’un groupe de filles qui, à l’âge de 14 ans, défient les attentes de leur famille et commencent une formation à long terme dans des camps sportifs gérés par le gouvernement. Ils sont déterminés à gagner des médailles et à changer leur destin.
”Dès le premier jour en Inde, votre famille est tout », explique Singh. » Ce que la société dit de vous est si important. Il y a une ligne en hindi ‘ ‘Log kya kahenge? » – ce qui signifie, »que diront les gens ?’ En tant que jeune femme vivant dans un société profondément patriarcale, vous entendez la phrase constamment. La ligne s’applique différemment aux hommes. Quoi que les hommes fassent – y compris la violence sexuelle et domestique – il y a toujours un moyen de le justifier. Ici, en Inde, il y a une guerre continue contre les femmes.”
Champion – tourné au cours des six dernières années – donne une visibilité au paysage physique et psychologique de la jeunesse indienne. Ensemble, les lutteurs, les boxeurs et les joueurs de judo ont formé une fraternité, une solidarité née de l’échange d’expériences, de la perte et de l’acte révolutionnaire de poursuivre leurs rêves. » Ces filles combattent la société, leurs familles et les notions de féminité qui leur sont inculquées depuis le jour de leur naissance. Pour eux, même entrer sur le ring – c’est un acte radical.”
Les portraits de Singh sont sereins. Ses collaborateurs respirent la fierté, renvoyant le regard du spectateur, plein d’affirmation de soi et de beauté. Le projet trace leur trajectoire émotionnelle convergeant les idées de genre et de féminité avec la construction de la nation. Les images auto-réfléchissantes laissent place à la rigueur et à la détermination de leur travail quotidien tout en offrant une vision transformatrice d’espoir et de possibilité pour les générations futures. « Depuis 2015, lorsque je suis allé dans les camps pour la première fois, j’ai assisté à une croissance aussi puissante”, explique Singh. « Quand je les ai rencontrés pour la première fois, ils n’étaient pas sûrs d’eux, assumaient beaucoup de pression et désespéraient de faire leurs preuves. Alors que la société indienne au sens large commence à reconnaître les athlètes féminines, les jeunes filles ont plus de possibilités de trouver différentes façons de construire leur identité à l’abri de la honte et de la peur.”
Dorian Ulises López Macías
Le seuil de l’espace public et privé peut être lourd pour les personnes queer. Beaucoup d’entre nous doivent laisser des parties de nous-mêmes derrière nous, en restant vigilants à la réalité que ce n’est peut-être pas sûr. À travers sa pratique vibrante, le photographe mexicain Dorian Ulises López Macías explore les notions de visibilité queer dans les villes tentaculaires de son pays. ” Je fais partie de cette communauté « , explique López Macías. » J’élève la voix pour mon peuple. Il est essentiel de se battre pour que nous comprenions tous l’importance et la beauté de notre existence. » Il y a une profonde poésie dans sa politique. La caméra, pour López Macías, est un portail; un outil qui permet la liberté et l’acceptation tout en documentant un état de devenir.
Les conditions sociales des personnes LGBTQIA + varient à travers le Mexique. Les droits de l’homme sont protégés dans les grandes villes et les États dotés de représentants gouvernementaux progressistes, et les actes de violence anti-LGBTQIA + ont des ramifications juridiques. Cependant, dans les États avec des responsables conservateurs, les crimes haineux se produisent en toute impunité. Les valeurs du pays sont également imprégnées de catholicisme et de notions binaires de genre. La culture traditionnellement machiste crée un environnement hostile à la vie queer. Malgré cette réalité quotidienne, López Macías a connu des changements importants au cours de sa vie. “En ce qui concerne ma génération, je constate une énorme avancée en termes d’acceptation personnelle”, dit-il. « Je perçois des humains beaucoup plus libres, sans tant de préjugés. Je peux sentir la transformation, et cela génère et modélise la fierté de la prochaine génération.”
Le travail de López Macías est ancré dans la curiosité. Sa pratique collaborative – chaque projet part d’une connexion établie dans la rue – est la pierre angulaire de son travail. Il démêle l’environnement psychique chargé qui affecte la vie queer, imaginant ses sitters dans un état de joie et de plaisir ultimes. Ce faisant, il introduit de nouveaux modes de langage visuel qui occupent l’intersection de la vie mexicaine et queer. » Je réalise l’importance de ce que je documente et son urgence ”, dit-il. » J’ai toujours cru au pouvoir de guérison de la photographie et à la lumière qui en découle. »Pour López Macías, être vu est vital – un moyen de se projeter dans l’histoire.
» J’élève la voix pour mon peuple. Il est essentiel de se battre pour que nous comprenions tous l’importance et la beauté de notre existence.”
Kwabena Sekyi Appiah – Nti
”Je veux contribuer à l’image de soi des garçons noirs », explique Kwabena Appiah-Nti, alias Sekyi. « Si vous voyez constamment des choses négatives sur vous-même, cela vous influence consciemment et inconsciemment. À travers mes images, j’espère inviter les jeunes Noirs à se voir différemment tout en les encourageant à documenter leurs propres expériences et leur culture. » Le photographe belgo-ghanéen, né et élevé aux Pays-Bas, construit une pratique ancrée dans la prise de conscience. Son travail élargit la visibilité de l’enfance noire, démantelant les stéréotypes nuisibles et les remplaçant par des images qui incarnent la beauté et la liberté. ”La photographie me permet de faire l’image idéale », partage Sekyi. « Je m’intéresse à sa possibilité de prendre des personnes, des lieux et des sentiments réels et de les ancrer dans un monde onirique.”
En 2018, Sekyi était en vacances à Itacaré, une petite ville de surf de Bahia, au Brésil. Il a photographié un garçon sur la plage avec ses cheveux peints en or. Il n’y a rien pensé jusqu’à ce qu’il soit de retour au montage à la maison. L’image a été un tournant inattendu dans la pratique de Sekyi. Il a illuminé sa fascination pour l’enfance, une phase de la vie intrinsèquement non fixée et mûre de possibilités. Cet éveil s’est manifesté comme Garçon d’Or, un travail en cours qui s’étend à travers le Brésil, le Ghana, le Suriname et la France, entre autres pays. Les images chaleureuses et captivantes puisent dans ses propres expériences et celles de ses collaborateurs. Il photographie des garçons noirs dans les loisirs et les jeux: faire de la moto, nager dans des cascades et jouer au football sur la plage. Il retrouve ses gardiennes sur Instagram ou se promène dans les villes qu’il visite. Prendre le temps de les connaître lui permet de présenter une expression authentique de leur vie.
Pour Sekyi, le travail unit le personnel et le politique. Il dispose d’un espace pour revivre des souvenirs déterminants de son enfance tout en défiant l’histoire et le contemporain lacunes dans la représentation penser à qui est représenté? Qui fait l’image? Et à qui sont racontées les histoires ? À travers les dispositifs de l’imagination et de la narration, il évoque des récits de joie, de camaraderie et de fantaisie. Garçon d’Or propose une communauté – une vision de l’utopie – où tout le spectre de l’enfance noire est célébré.
