Cet article est le premier d’une mini-série, À la recherche de nous-mêmes. Nous discutons avec trois artistes – Ana Vallejo, Bowei Young et Andre Ramos-Woodard – de la vulnérabilité et des traumatismes, et de la façon dont ils utilisent la caméra pour mieux se comprendre. 

Les images hybrides de l’artiste mélangent photographie, texte et collage, décrivant les turbulences d’être jeune, noir et queer en Amérique

”Je ne pensais pas que ça allait faire mal comme ça », dit André Ramos-Woodard en se souvenant de leur déménagement de Beaumont, au Texas, à Albuquerque, au Nouveau-Mexique, pour des études supérieures.  » Je suis passé d’un endroit où il y avait tant de Noirs à une ville où il y avait 3 % de Noirs. ​​​​C’était bizarre de reconnaître que ces personnes ne seraient jamais capables de comprendre ce que signifie être Noir en Amérique.” 

Sans l’ancrage stable de la vie familiale, l’artiste basée au Texas a été contrainte de faire face à la violence de la suprématie blanche sans le système de soutien dont elle dépendait. À ce moment-là, la création artistique est devenue plus qu’un mode d’exploration et d’expression – c’est devenu une stratégie de survie. Celle qui offrait un abri sûr pour affronter des vérités brutales, permettant à l’artiste de démêler à la fois les mythologies noires perpétuées par un monde blanc et de célébrer la pensée, la conscience et le désir noirs.

Dans Sans titre (LIVE LAUGH LOVE), trois jeunes enfants sont regroupés. C’est la photo de famille archétypale: tenues assorties, sourires à dents, toile de fond en marbre incomparable. Par conception, il exige de la nostalgie; un désir de temps plus simples où l’identité est validée par l’acte même de la photo de famille. Dans ces premières années de la vie, des images comme celle-ci sont souvent des preuves habilitantes de qui nous sommes, individuellement et en tant qu’unité. Ramos-Woodard complique cette histoire en ne révélant qu’une tranche de l’image originale épinglée sur un tissu floral en twee. Les visages sont suffisamment pixélisés pour dissimuler l’identité tout en nous permettant de tracer les sourires à l’intérieur. L’image, partie intégrante de leur projet ​​A Mec au Cul Médiocre, est un portail vers l’amour et la sécurité des relations familières tout en décrivant le désintéressement émotionnel dans la dépression profonde et l’isolement.

Ramos-Woodard reconnaît l’histoire violente de la photographie et exploite une approche mixte où la photographie n’est qu’un “point d’entrée”. Leur processus s’aligne davantage sur la sculpture, mêlant texte, dessin, collage et création d’images. Cela crée un langage hybride qui illustre le traumatisme désordonné de vivre avec complexité et profondeur, qu’un langage visuel seul peut avoir du mal à articuler.

L’artiste n’est pas intéressé à vous mettre à l’aise. Leur pratique est un portrait désarmant de l’intériorité qui décrit les turbulences d’être jeune, Noir et queer en Amérique. Ils croient intrinsèquement que pour changer la réalité, nous devons changer la façon dont la réalité est représentée, et ils le font en confrontant des vérités difficiles sur qui nous sommes et comment nous vivons, de temps en temps. Contrairement à beaucoup de leurs pairs, leur travail ne tente pas de créer une utopie dans le présent. Au lieu de cela, ils font le travail difficile de ruminer le positif et le négatif, faisant de l’incertitude et de la vulnérabilité leurs principes directeurs.

Utilisant leur vie comme matériau principal, Ramos-Woodard anime la tension entre joie noire et violation. Ils soulignent de toute urgence non seulement l’importance de refléter la réalité dans toute sa complexité, mais ce que signifie être vu. ”C’est tellement guérissant pour moi », dit Ramos-Woodard.  » Surtout quand je souffre le plus ”.