En studio avec Mari Katayama

Toutes les images © Takahiro Motonami

Ludique mais extrêmement sérieux, le studio de Mari Katayama témoigne de son approche farouchement indépendante de l’art et de la créativité

Entrez dans le monde de Mari Katayama et vous découvrirez toutes sortes de petits trésors. Des boîtes remplies de perles, de plumes et de coquillages, des coussins cousus à la main parsemés de paillettes, des autocollants, des coupures de magazines et des souvenirs punk éparpillés sur les murs. Derrière une étagère se cache une petite collection de pierres peintes, tandis qu’une autre est suspendue à une robe en tulle qui se drape comme des algues scintillantes. Trouvées, récupérées ou faites à la main, ces décorations sont le cœur de la quête artistique de Katayama et de son désir d’atteindre une « quintessence de la beauté ».

La pratique de Katayama englobe la photographie, l’artisanat, l’installation et la performance, mais elle est surtout connue pour ses autoportraits fascinants, dans lesquels elle se prend en photo dans des décors minutieusement élaborés. Ces œuvres ont été exposées dans certaines des plus grandes institutions du monde, notamment la Maison Européenne de la Photographie, le Mori Art Museum et la Tate Modern, où elle présente actuellement une exposition jusqu’en février 2025. En mai 2025, elle dévoilera une nouvelle commande pour le projet Women in Photography de la Parasol Foundation du V&A.

« Si jamais je ne peux plus marcher, au moins je peux me rendre au studio en fauteuil roulant. »

Katayama travaille dans un studio de plain-pied situé dans sa préfecture natale de Gunma, une région montagneuse du nord-ouest du Japon. « Il aurait été quasiment impossible pour moi de m’offrir un studio à Tokyo », explique l’artiste de 37 ans, qui a vécu dans la capitale pendant deux ans après avoir obtenu un master à l’Université des Arts de Tokyo en 2012. « Si je voulais prendre mon art au sérieux, je devais retourner à Gunma. » Katayama a loué un appartement de deux pièces, où elle a passé ses années de formation en tant qu’artiste, à pétrir du plâtre, à coudre des coussins et à décorer les cadres ornementés qu’elle utilise pour exposer ses portraits.

Elle a emménagé dans son studio actuel en 2019, juste avant sa percée à la 58e Biennale de Venise. Elle partage l’espace avec son mari, DJ et musicien, et à côté de leur maison, il est divisé en trois pièces – l’atelier de Katayama, le studio de son mari et un bureau partagé avec des platines de DJ et une collection de milliers de disques. Le couple n’a qu’une seule règle : ne jamais ramener le travail à la maison. « J’ai du mal à m’y tenir », admet Katayama en riant. « Je fais une grande partie de mon travail de couture sans mes prothèses, par terre. Parfois, il est plus confortable de répartir le travail dans l’une des pièces libres de la maison. »

Pour Katayama, l’accessibilité entre la maison et l’atelier est essentielle. Elle est née avec une hémimélie tibiale congénitale et, à neuf ans, elle a choisi de se faire amputer les jambes. « Si jamais je ne peux plus marcher, au moins je peux me rendre à l’atelier en fauteuil roulant », dit-elle. Ses boîtes à outils en plastique sont toutes marquées d’étiquettes argentées en forme de cœur, mignonnes mais aussi pratiques. Les jours où elle est fatiguée ou a mal, même sa fille de six ans peut récupérer le matériel dont elle a besoin.

Katayama est éloquente, charismatique et naturellement cool. Elle porte des collants résille par-dessus ses prothèses tatouées, qu’elle peint elle-même depuis son adolescence. Grandir avec un handicap n’a pas été facile, et l’art a été sa bouée de sauvetage. « Tout ce que je voulais, c’était des jambes normales comme tout le monde », dit-elle. « J’ai fait de mon mieux pour marcher normalement afin que les gens ne se rendent pas compte que je portais des prothèses. » Katayama a passé son adolescence à cacher ses jambes sous des pantalons amples, mais son lycée exigeait que les filles portent des jupes. « Je me suis dit : “Si je ne peux plus me cacher, j’éviterai tout simplement les gens.” »

Katayama s’est retirée du monde physique mais a trouvé refuge en ligne. Au début des années 2000, Myspace était roi et elle s’est fait d’innombrables amis en partageant sa musique et son art. Des souvenirs d’adolescence sont éparpillés dans son studio, des peintures et des coussins en perles à sa première guitare, une Les Paul Photogenic des années 1980, achetée d’occasion quand elle avait 16 ans. « Je n’avais pas les moyens d’acheter tout ce que je voulais. J’ai dû les trouver et les créer moi-même », dit-elle. La mère et la grand-mère de Katayama sont toutes deux des couturières talentueuses, et son grand-père était un passionné d’art. « C’est grâce à elles que je suis devenue artiste », se souvient-elle.

Au début, la photographie était pour Katayama un outil pour partager ses créations, et à bien des égards, c’est toujours le cas. Son processus commence généralement par la construction d’installations, dont la mise en place peut prendre jusqu’à une semaine. Le processus photographique est relativement court, dit-elle, 30 minutes à une heure au maximum. Cela ne veut pas dire que Katayama est une photographe complaisante. En fait, il fut un temps où elle était obsédée par le matériel photo. Le monde de la photographie, en particulier au Japon, peut être dominé par des hommes plus âgés qui ont tendance à se focaliser sur les détails techniques. En tant que jeune artiste, Katayama était souvent condescendante et remise en question par ces hommes.

« Ces gens s’intéressaient davantage à la façon dont vous manipulez l’appareil photo, à votre technique et à vos connaissances, plutôt qu’à ce qu’il y avait dans l’image ou à ce qu’elle essayait d’exprimer », dit-elle, et cela a allumé une flamme en elle. Elle a testé des appareils photo numériques de toutes les grandes marques, étudié les techniques d’impression et expérimenté les procédés de chambre noire. « Si quelqu’un me pose des questions aujourd’hui, je suis sûre que j’en sais bien plus qu’eux », sourit-elle.

Tout au long de la journée, l’artiste mâche sans arrêt des bonbons. « Ce n’est pas comme si j’en étais absolument fan, c’est devenu une habitude », dit-elle en haussant les épaules. C’est un euphémisme, car il y a au moins 30 impressions identiques d’emballages Haribo disséminées dans l’atelier. L’amour de Katayama pour ces bonbons remonte à l’époque où elle avait 18 ans, lorsqu’elle a passé quelques semaines chez un professeur d’esthétique à l’université des beaux-arts de Düsseldorf. Le mari de ce professeur était peintre et il mangeait toujours des Haribos par stress.

« Avant de partir, il m’a dit qu’il m’emmènerait dans son endroit préféré. Il s’est avéré que c’était la boutique Haribo. J’ai gardé un des paquets vides que j’avais achetés ce jour-là et je l’ai pris en photo », raconte-t-elle. Près de 20 ans plus tard, Katayama utilise toujours cette image dans ses installations. « Les Haribos ont été là pour moi à un tournant important de ma vie », dit-elle. « Je n’avais pas l’intention de devenir artiste à l’époque, mais j’adorais l’art. [The professor] « J’ai dit que je devais continuer dans cette voie… Chaque fois que je vois des Haribos, cela me rappelle cela. »

Cette anecdote poignante mais ludique est emblématique de la démarche de Katayama. Son travail est toujours personnel et est propulsé par un amour et une admiration sincères pour l’expression artistique, qu’il s’agisse de littérature, de peinture, de musique ou des vêtements faits main de sa grand-mère. « Beaucoup de gens me disent que j’ai beaucoup de courage, que je me montre « telle que je suis », dit Katayama. « Je ne fais pas du tout d’art avec cette intention. Il ne s’agit pas des droits des personnes handicapées, mais de la condition humaine. » En ouvrant les portes de son monde, orné de dentelles, de paillettes et de guirlandes lumineuses scintillantes, Katayama nous invite à rechercher la beauté dans nos propres trésors et dans nos propres corps.

marikatayama.com

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